Miércoles de marzo, abril y mayo de 19 a 22 hs. 

DocumentA/Escénicas – Lima 364 – Córdoba 

 

Fundamentación

Dentro de la vastedad territorial del oficio de la dirección teatral, acaso el trabajo con los actores sea una de sus áreas más misteriosas e inexploradas. Construir discurso poético de forma colectiva utilizando como materia prima el cuerpo y su voluntad expresiva, en interfaz con un sujeto que percibe con aspiraciones intersubjetivas no es una tarea sencilla. El actor se presenta en el escenario simultáneamente como la cosa misma y su doble simbólico, ser y ente, sujeto y objeto. Pero es la mirada foránea a la escena la que garantiza su duplicación. A ese rebote, a esa mutua devolución de potestad semántica llamamos actuación. Es decir que dicha iteración solo tendrá lugar en el tráfico de doble vía de información sensible. O lo que llamamos vulgarmente “contacto”. Hacer contacto con nuestros actores es una práctica ardua, en parte por el diseño social de aislamiento interpersonal al que nos somete la vida urbana contemporánea, con sus desmaterializaciones de lo colectivo y sus individualismos bélicos, en parte también simplemente porque leer al otro (que es lo mismo que escribirlo), no es una práctica natural y por consiguiente demanda un adiestramiento técnico que se logra solo mediante la visita sistemática de ciertas prácticas. En otras palabras, estar juntos es un arte y cómo es sabido las artes son actividades donde la maestría es condición de existencia. En el extraño reino del ensayo, y tomando cómo piedras de toque los conceptos de sociedad creativa, la emancipación cómo forma excelsa de la producción poética, la idea Meyerholiana de que actuación es Actor + Director, y que en definitiva “Yo soy Otros”, intentaremos descubrir las herramientas para construir el encuentro creativo que funda el “Ahora Mismo” de lo teatral. Actor y director, enemigos íntimos, socios del crimen perfecto, dos que son uno, uno que son todos.

Objetivos

• Establecer una sociedad creativa auto emancipante entre actores y directores.
• Remplazo del concepto de director como jefe, patrón o dueño por las figuras de líder, sanador y maestro.
• Adquisición de lenguaje técnico específico que permita una mejora en la comunicación entre el actor y el director y cómo resultado de esto la construcción del “idiolecto del proceso”
• Desmontar el concepto de dramaturgia de roles por dramaturgia de interfaz
• Asumir el ensayo cómo una forma de arte en sí misma, que demanda su oficio, sus maestrías y conocimientos técnicos. Entender al director teatral cómo “artista del ensayo”
• Eliminar las disputas de poder por el control de la producción de sentido en el vínculo actor/director. Reemplazar los conflictos de propiedad por encuentros de disolución de autoralidad.

 

Contenidos

• Relación fundante entre los conceptos de Creatividad, Experimentación y Libertad. Fundamentos para una ética contemporánea de la dirección actoral.
• Concepto de teatralidad: Acontecimiento, punto de vista, adscripción de sentido.
• Breve historia de la actuación. Orígenes, desarrollo y contemporaneidad. Particularidades de La actuación en Latinoamérica, Argentina y Córdoba.
• Meyerhold y la raíz de las teorías no miméticas de la actuación.
• El actor cómo eje de articulación de todos los elementos que conforman la polifónica de lo teatral. Cómo ser un experto en actuación es lo mismo que ser un experto en teatro
• Qué es y cómo se repara un ensayo teatral
• Entrenar la mirada. Leer es escribir. La dirección teatral cómo práctica hermafrodita. Recuperación de los principios “hembra” de la dirección y de la teatralidad en general.
• Liderar es liberar. Estrategias de pulverización de los limitadores de potencias.
• Análisis dramatúrgico enfocado a la dirección actoral. Qué es lo actuable y donde encontrarlo.  Qué es la dramaturgia del actor y que es la dramaturgia del director. La dirección teatral cómo la búsqueda constante de la disolución de toda autoridad. Síntesis Vs Proliferación.
• La Palabra cómo campo de acción poética y política. Cómo las palabras perforan las paredes y mudan los cuerpos. La palabra sensual y la palabra sensible.
• El teatro cómo arte visual: los actores cómo productores de visualidad poética. El vocabulario plástico y la semántica de la imagen.
• Dimensiones políticas: conformación de grupos resolución de conflictos, construcción del encuentro.

Metodología:

Clases semanales teórico prácticas de tres horas reloj. Duración total del seminario: tres meses.

 

Costo: $550 mensuales – Cupo limitado.

Inscripciones a través del formulario web:

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